En plena eclosión de la Revolución Sexual de finales de los años sesenta del Siglo XX, cuando el Mundo estaba necesitado de rupturas de las piezas de un juego esquivo a los menos poderosos que por desgracia acabó, décadas más tarde, por armarse nuevamente con otra revolución más acá de las puertas. Andy Warhol puso un mínimo capital y Paul Morrisey movió la cámara para recrearse en cada plano con una de las criaturas más hermosas que jamás hayan sido filmadas y expuestas en la Gran Pantalla.

En una época en que el cine independiente, cuando realmente lo era, se llamaba underground, el trío imprescindible en las enciclopedias del maravilloso cine imposible, trabajaron juntos en cinco títulos, de entre los que destaca una trilogía a la que la película que protagoniza esta edición de Gay Cinema pertenece, ‘Flesh’, ‘Trash’ y ‘Heat’. En la primera de ellas, que os recordamos aquí, su protagonista interpreta a Joe. Un chapero bisexual, al que su esposa despierta para que haga su recorrido de Alicia en un día cualquiera en la Ciudad de Nueva York.

‘Flesh’ (Carne), abre y cierra de la misma manera, con un primerísimo plano de Joe (Joe Dallesandro), durmiendo en su cama de matrimonio. Su esposa Geri (Geraldine Smith) lo obliga a despertarse y salir a trabajar. Después de lograr desperezarlo, hacen un amago de tener sexo inacabado, tras lo cual, Joe comparte juegos y un pequeño pastel con su hijo de un año (Michael Dallesandro, hijo real del actor).

Joe en la calle. Su principal fuente de ingresos es como chapero de esquina. Ese día traerá dos clientes. Un joven que a cambio de veinte dólares le hará una mamada, y un dandy entrado en la tercera edad (Maurice Braddell), artista que introducirá a Joe en la teoría de la belleza clásica, poniendo como ejemplo el cuerpo desnudo del protagonista, porque el el artista pagará por dibujarlo posando como si de una sucesión de esculturas griegas se tratase.

Luego de un encuentro con su amante, Candy (Candy Darling) Terry (Geri Miller), que le agasajará con una felación en una pequeña reunión privada, volverá a la calle, en la que llegando el crepúsculo, decidirá despedir al Sol neoyorkino en compañía de David (Louis Waldon), que será la única persona con quien se encuentre ese día que no vaya detrás del protagonista con otro interés que cuidar de él, antes de volver a casa y tenderse en la cama mientras su esposa acaba en los brazos de su amiga (Patti D’Arbanville), quedándose de nuevo Joe profundamente dormido.

Pese a su estructura narrativa aparentemente caótica, ‘Flesh’, considerada por la prestigiosa publicación ‘Empire’, como una de las 500 películas más importantes de la Historia del Cine, es a un tiempo el retrato de una época donde el descaro no se creía autosuficiente, donde la experimentación en todos los niveles era una fascinante parte indolora de la realidad, donde la censura no atrevía a enfrentarse al progreso, donde el sexo era la más honesta, por deshinibida, manera de socializar en un mundo que quizás por ello, confiaba más en sí mismo, y sobre todo, en cada secuencia, una sucesión de planos robados de una presencia que John Waters bautizó como ‘Un actor maravilloso que cambió para siempre la sexualidad masculina en la pantalla’ , caminando siempre por el lado salvaje, según Lou Reed: Little Joe, Joe Dallesandro.

Andy Warhol fue a la iconografía norteamericana del siglo XX, tan grande como Elvis Presley o Mickey Mouse. Pintor, editor, cineasta y figura más reconocida y más reconocible del movimiento Pop Art junto a su contemporáneo Roy Lichtenstein, Warhol fue, en sí mismo tan grande o quizás más grande aún que su obra. No había nadie en su época que no quisiera conocer a Warhol, y eras un donnadie si no habías conseguido aparecer aunque fuese de refilón, en una foto con él.

Personajes bohemios, estrellas de Hollywood, ídolos de la música, intelectuales de prestigio, aristócratas, políticos, formaban parte habitual de su troupe de modelos, amigos, seguidores, o directamente aduladores. De todo ello, estos sacaron provecho, pero quizás, sin saberlo ellos tanto, Warhol sacó mucho más.

Consideradas sus obras (una vez muerto), las más cotizadas de las casas de apuestas, Warhol, uno de los nuestros, ha sido sólo igualado en el alto precio de sus cuadros, por Willem De Kooning, Gustav Klimt, Jackson Pollock y Pablo Picasso.

Warhola

La enfermedad, arrastraría como consecuencia más aparente un debilitamiento permanente de su piel, que provocaría un exceso de celo del artista, trayendo consigo una palidez que con sus grandes gafas y su característica peluca blanca (Warhol se empezó a quedar calvo en los cincuenta y era prácticamente calvo del todo en los 60), hicieron extraordinariamente popular su eslavo rostro.

A raíz de aquella enfermedad, Warhol sería permanentemente hipocondríaco. Su pánico a los doctores y hospitales nunca cesó, pero sin embargo, el largo tiempo que Andy permaneció en el hospital, rodeado de fotos de estrellas de cine y escuchando constantemente la radio, marcó profundamente sus futuros intereses estéticos.

A por la sopa

Allí, Warhol logra desarrollar una exitosa carrera como ilustrador comenzando a marcar impronta, aplicando sobre fotografías, trazos gruesos de tinta. La ‘licencia’ creativa le costó al artista enganchar a los directivos de la compañía discográfica RCA, con quienes ya no dejaría de colaborar, diseñando las portadas de numerosos discos, hasta su fallecimiento.

En 1962, enseña a los californianos, en vivo, lo que es el Pop Art, con su primera exposición individual en Los Angeles, donde exhibe algunas de sus obras más conocidas como Marilyn Diptych, realizada poco después de la muerte de Marilyn Monroe, un icono que tendría posterior presencia constante en su carrera.

Durante la década de los 60, Warhol comienza su serie de pinturas de productos icónicos de consumo en Estados Unidos, como latas de Coca Cola, Brillo o su famosísima serie inspirada en las Sopas Campbell. Así mismo, inmortalizaría en sus lienzos a celebridades del cine y de la música, como Muhammad Ali, Elvis Presley o Elizabeth Taylor, así como a otro personaje imprescindible de la época, la viuda de América, Jackie Kennedy, que con el tiempo pasaría a ser una discreta presencia en su vida.

Con la elevación de estos iconos populares, luego de accesible consumo en los supermercados, la televisión, los magazines o las salas de cine, a las galerías de Arte, Warhol quiso hacer honrar un doble acercamiento. Por un lado, elevar lo pequeño a la veneración del mundo del arte haciéndolo grande, y por otro, haciendo a las figuras de los medios, más cercanas a la gente, explicando que pese a tratarse de Marilyns y Taylors, estas diosas, al igual que el ciudadano más común y con menor poder adqusiitivo, también bebían Coca Cola.

La forma de trabajar de Warhol, muy alejada del concepto tradicional del pintor que crea sólo, obligó a este a rodearse de colaboradores, circunstancia no exenta de polémica, pero que el artista entendía como esencial para así poder incrementar su productividad.

The Factory

Entre 1962 y 1968, Andy Warhol crearía ‘The factory’, su espacio de trabajo en el corazón de Manhattan. Aunque posteriormente se trasladaría a otras oficinas bajo el mismo nombre, sin embargo fue este espacio el más caracterísitico de todos.

De renta bajísima, ‘The Factory’, también conocida como ‘The Silver Factory’ por tener sus paredes recubiertas de pintura plateada o paneles de metal en el mismo tono, gracias a la idea de uno de los más estrechos colaboradores de Warhol, Billy Name, fue un espacio interdisciplinar. Oficina del artista, ideal refugio para consumidores de anfetaminas, taller de Andy y sus colaboradores, parada y fonda de drag queens, drogodependientes, librepensadores y músicos, la Factoría generó una mítica atmósfera absolutamente única.

Por su diáfano espacio se codeaban Lou Reed y Bob Dylan, Allen Ginsberg, Truman Capote, William Burroughs y Salvador Dalí.

Entre los imprescindibles, Gerard Malanga, Ondine, Ivy Nicholson, Ingrid Superstar, Anita Pallenberg, Nico, The Velvet Underground (Lou Reed, Sterling Morrison, Maureen Tucker, and John Cale), Johnny Conflict, Candy Darling, Jeremiah Newton, Jim Morrison, Jackie Curtis, Frank Holliday, Holly Woodlawn, Viva, Billy Name, Freddie Herko, Mario Montez, Brian Jones, Edie Sedgwick, Joe Dallesandro, Naomi Levine, Joe Dro, Paul Morrissey, Stephen Shore, Betsey Johnson, Taylor Mead, Mary Woronov, Ronnie Cutrone, Jane Forth, Lenny Dahl, Baby Jane Holzer, Ultra Violet, Brigid Polk, Paul America, Penny Arcade, Bobby Driscoll, Herbert Muschamp o el español Fernando Arrabal.

Espacio común para eventuales orgías en las que Warhol nunca intervino, también sirvió el espacio como plató para el rodaje de experimentos fílmicos imposibles con protagonistas a menudo extremos. El todo vale fue la inpiradora definición de la Silver Factory.

Disparen sobre el artista

Habiéndose trasladado a Greenwich Village en 1966, un año más tarde entra en contacto con Warhol con el fin de presentarle un guión escrito por ella titulado ‘Up your ass’. Cuando Andy lo leyó, se asustó pensando que era una trampa policial, ya que había tenido antes serios problemas con la censura, porque el contenido del guión era altamente pornográfico. Warhol escondió el guión, y después de numerosas llamadas de Solanas para que este fuera devuelto, finalmente este reconoció que había perdido el borrador. No obstante, intentó recompensar a la escritora con un cameo en uno de sus cortos, ‘I, The Man’.

Warhol, que consideraba a Solanas interesante y divertida, sin embargo comenzó a alejarse de ella a medida que el acoso de esta iba en aumento. El 3 de Junio de 1968, poco después de las cuatro de la tarde, al llegar a la Factory con su acompañante, Valerie le esperaba en la puerta, Warhol le invitó a entrar, y una vez dentro, sin mediar palabra y mientras el artista hablaba por teléfono, esta sacó una pistola de una bolsa de papel y disparó dos veces contra Andy. Una vez en el suelo, disparó sobre él de nuevo, haciendo luego lo mismo con uno de los ayudantes y abandonó las oficinas pensando que Warhol había muerto.

Este intento de asesinato que tuvo relativo escaso eco debido a que sólo dos días más tarde Robert Kennedy fue asesinado en Los Angeles, supuso para Andy el mayor trauma psicológico de su vida. Aunque sobrevivió, le quedaron ciertas secuelas físicas pero sobre todo enormes secuelas psicológicas. El ambiente de la Factory ya no volvió a ser tan distendido como fue en el pasado. Siempre tuvo pánico a ser agredido por Valerie otra vez (esta sólo estuvo tres años en prisión y sobrevivió a Warhol un año), y a partir de entonces, aunque no rechazó el contacto físico, su reacción era de frialdad y hasta pánico, cuando este se producía.

Decadencia y Opulencia

Warhol, que fue un auténtico visionario dijo que en el futuro todos tendriamos derecho a nuestros 15 minutos de fama. Hoy, gracias a internet, un simple blog o un vídeo casual en Youtube te pueden hacer famoso durante mucho más tiempo. En aquel entonces, cuando los ordenadores personales casi no alcanzaban la categoría de sueño, una de las mejores formas de alcanzar esa breve fama era estar junto a él.

Después del incidente con Solanas que casi le cuesta la vida, Andy aparca un poco su faceta creativa para convertirse más en empresario, productor cinematográfico (sobre todo de su protegido Paul Morrisey), publica ‘La filosofía de Andy Warhol’ (‘Hacer dinero es Arte, y trabajar es Arte y los buenos negocios son el Mejor Arte’), y crea la aún existente revista ‘Interview’, junto a Gerard Malanga.

Y Nueva York, con él dentro y alrededor suyo, será foco de atracción, desde sus más discretas oficinas o desde la imprescindible Studio 54. Durante los años 70, Warhol trabó amistad con Mick Jagger y Liza Minnelli, la Emperatriz Farah Diba, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson a quienes retrató, entre muchos otros. Su serie de Mao Zedong se desarrolló también en esta época, pero los setenta giraron más alrededor del bling bling y de la nadería en la que se acomodó el tímido eslavo, que se dedicó a observar con fascinación y apenas replicar a sus interlocutores, como la genial esponja humana que siempre fue.

Aunque adoraba la fama y Hollywood (’Amo Los Angeles, amo Hollywood. Todo es plástico pero amo el plástico. Quiero ser plástico‘) su espacio fue la Gran Manzana, cosa que no quitó que se dejase llevar con agrado zalamero por los requerimientos de la Industria del Cine y la Televisión, haciendo esporádicos cameos en soap operas, spots publicitarios y películas para la gran pantalla.

Sin embargo, lo que Warhol ganó en los 70 en popularidad hasta alcanzar de lleno lo puramente banal, lo perdió en prestigio como artista, afectándole incluso financieramente. Así, si en la siguiente década siguió codeándose con nuevos iconos del mundo del espectáculo, como Anthony Kiedis, Madonna, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger (a estos dos últimos los inmortalizó también en retratos), o el cantante y actor Miguel Bosé, único español retratado por el artista, y sus exposiciones, vacías según los críticos, y hechas, según el honesto Warhol, ‘para vender’, sin embargo, al mismo tiempo, estableció contacto con jóvenes artistas como David Salle, Julian Schnabel y sobre todo, Jean Michel Basquiat.

Jean Michel loves Andy

Jean Michel Basquiat nació el 22 de Diciembre de 1960 en Brooklyn, Nueva York, de madre portorriqueña y padre haitiano. Multilingüe (el pintor hablaba con fluidez inglés, español y francés), bisexual, grafitero, adicto a la poesía simbolista, la mitología, la historia y las drogas, Basquiat, que por qué no decirlo, fue amante de Madonna antes de que esta fuese Madonna, consiguió que Warhol quedase fascinado por él después de mucho insistir.

Al igual que Warhol, Basquiat encontró inspiración artística durante una convalecencia hospitalaria tras haber sido atropellado por un coche a los seis años. Su madre se había puesto como objetivo que conociera a los maestros de la pintura, llevándolo a museos de Brooklyn y Manhattan donde el pequeño se familiarizó con las obras de Pablo Picasso, Jasper Johns y Jean Dubuffet. Un día, después de afeitarse la cabeza y escaparse de casa, le dijo a su padre: ‘Papá, un día, voy a ser muy muy famoso‘.

Jugando con su seductora personalidad y una pintura voluptuosa revestida de ingenuidad y marasmo, Basquiat se hizo rápidamente popular entre galeristas.

En 1982, Warhol lo toma como protegido y le ayuda a balancear su vida, seducido sin duda por el extraordinario carisma del guapo y temperamental joven artista. Su talento joven y en bruto fue la bocanada de aire fresco que Warhol necesitaba, y durante los siguientes cinco años de tiras y aflojas en que ambos se beneficiaron del talento para el arte y los negocios del otro, se estableció una relación cuyos límites físicos, si los hubo, son públicamente desconocidos. Sin embargo, la muerte de Warhol sumió a Basquiat es un intenso proceso autodestructivo. Llegaba a consumir hasta dos mil dólares diarios en cocaína y heroína y se volvió paranoico, muriendo a los 28 años, menos de 12 meses después del fallecimiento de Andy.

Basquiat aparte, la vida sexual de Andy es, al parecer, un misterio para muchos, aunque sus modos ‘camp’ y la presencia constante del homoerotismo en muchas de sus fotografías y su cine no deberían dejar lugar a dudas. Las dudas que sin embargo si se podían extraer de las entrevistas que se le hacían cuando el entrevistador pretendía llegar demasiado lejos (’Um, No’, ‘Um, Yes’).

Sin embargo, Warhol convivió durante años con el diseñador de interiores Jed Johnson, quien estaba presente durante el incidente Valerie Solanas, y es sabido en círculos privados que durante años, y de forma intermitente, fue, aparte de amigo, amante de Truman Capote, hasta que, dicen, la química entre ambos empezó a morir el día en que ‘Truman me metió la polla en la boca y no sentí nada‘.

Adiós, Warhola

Andy Warhol retrasó durante bastante tiempo pruebas y análisis, porque detestaba la simple idea de estar rodeado de doctores, olor a anestesia y paredes verdes, pero el Viernes, 20 de Febrero de 1987 no le quedó más remedio que ingresar en el New York Hospital-Cornell Medical Center para una operación en la vesícula biliar. Operado al día siguiente, la operación obtuvo un resultado tan positivo como era de esperar en un tipo de intervención que no da mayores dificultades. El proceso postoperatorio fue igualmente bueno. Por eso nadie quiso creer que a las 6:30 de la mañana del domingo siguiente a ser operado, Andy moría mientras dormía, de un ataque al corazón. Tenía 58 años.

Su cuerpo fue entregado a su familia en Pittsburg y se ofició un funeral privado según el rito católico bizantino. En el ataúd, abierto, Warhol portaba una rosa en su mano, vestido de cachemira, peluca plateada y gafas de sol. Días más tarde se celebró un funeral multitudinario en la Catedral neoyorkina de Saint Patrick. Y a partir de entonces, su arte, que había sido más pequeño que él, se hizo mucho más grande.

Antiartista, maestro en el arte de venderse a sí mismo, tímido, vanidoso, especulativo, genial, deliberadamente inexpresivo y aparentemente imperturbable como un Buster Keaton de la pintura y la fotografía, Warhol fue el reflejo de una época y el aperitivo de otra, que supo hacer suya su imagen pero no la esencia de un maestro que, quizás nunca llegue a ser del todo comprendido.

Los iconos elegidos, que no son en todos los casos homosexuales, han influido en la creación de la identidad homosexual de cada una de las personalidades responsables de hacer la selección.

Entre los iconos gays seleccionados podemos encontrar artistas como Francis Bacon y David Hockney; escritores como Daphne du Maurier y Quentin Crisp; compositores como Pyotr Tchaikovsky y Benjamin Britten; músicos como k.d. lang, the Village People y Will Young; celebridades como Ellen DeGeneres, Lily Savage y Kenneth Williams; deportistas como Martina Navratilova y Ian Roberts; y activistas políticos como Harvey Milk y Angela Mason.

Son más de 60 retratos fotográficos los que componen la exhibición, que incluyen fotografías realizadas por Andy Warhol, Snowdon y Cecil Beaton.

La exhibición podrá ser visitada hasta mediados de octubre en la “National Portrait Gallery” de Londres.

Vía | Towleroad

Hace años, cuando La 2 se llamaba Segunda Cadena, me apunté a ver un ciclo dedicado a Paul Morrisey. El motivo era simple. Aunque no tenía ni zorra de qué iban las película de ese señor, la producción de las mismas corría a cargo deAndy Warhol, y en mi época de estudiante de Arte, Warhol y su Factory eran el Sombrerero Loco y el otro lado del espejo para mí. Devoraba todo lo que oliese a Warhol, a Gerard Malanga, a Jean Michel Basquiat...

El ciclo se componía de cinco títulos: ‘Flesh’, ‘Trash’, ‘Heat’, ‘Sangre para Drácula’ y ‘Carne para Frankenstein’ Las dos últimas, desopilantes variaciones de cine de terror, divertidamente excesivas, cuya única razón de peso para ser visionadas era el de la aparición en las mismas del protagonista de las tres primeras. Auténticos experimentos visuales, retratos de una marginalidad nada fingida, de una lustrosa sordidez, que supusieron la presentación del que según John Waters, es ‘Un actor maravilloso que cambió para siempre la sexualidad masculina en la pantalla’, y según su descubridor Andy Warhol, ‘la mayor presencia erótica masculina del cine, junto a Marlon Brando.’

Nacido el 31 de Diciembre de 1948, Joseph Angelo D’Allesandro III, o Joe Dallesandro, o JoeBoy o Little Joe, será para siempre bienvenido por habernos regalado desde las pantallas de cine clubs y sesiones golfas, las presencia más poderosamente erótica que se recuerde. Además, así como Brando jamás hizo pública su bisexualidad, aunque en privado no se privaba en exponerla, Dallesandro, honesto como pocos, se ha definido de siempre, bisexual. Es por ello que me honra presentároslo en AmbienteG, como uno de los nuestros.

Joe Dallesandro entró en contacto con la Factoría Warhol de un modo totalmente casual. Warhol y Morrisey filmaban en un edificio al que Dallesandro entraba en busca de su camello. Un amigo dijo: ‘Salúdalo’, y él replicó ‘¿Quién demonios es Andy Warhol?’ Tras una breve conversación con Morrisey, este le propuso intervenir en una secuencia de la película, la primera de una luego colaboración para la historia, en ‘The Loves of Ondine.’ Dallesandro tenía 17 años.

Sin embargo, esta no fue la primera aparición en pantalla de Little Joe. Con 14 años había hecho su debut en el cine porno gay, y entre las formas de ganarse la vida que más le reportaron beneficio estuvo la de chapero por las calles de Nueva York. Nacido en Florida de un padre maltratador y una madre menor de edad, Dallesandro aprendió a desarrollar pronto un imprescindible instinto de supervivencia que le ha acompañado el resto de su vida. Sobre aquellas experiencias Dallesandro ha dicho: ‘Mis días como chapero fueron más acerca de intentar cuidar de mí mismo. Conocer a aquella gente, como que me calmó. Me enseñaron una parte diferente de la vida. (...) Descubrí más tarde que estaba buscando una figura paterna y alguien que me amase.’

‘Flesh’, donde Dallesandro interpreta un rol de sobra conocido por él, el de chico de compañía, obtuvo un importantísimo éxito de crítica. La revista ‘Rolling Stone’ la nombró mejor película del año 1970, y el mismísimo George Cukor estuvo haciendo campaña para que la Academia de Hollywood la incluyese entre las nominadas de aquel año en algunas de las categorías importantes a los Oscar, sin lograrlo. Al éxito de crítica del film, le seguirían otros dos, ‘Trash’ y ‘Heat’, donde el actor interpretó a un gigoló que enamoraba a una vieja gloria de segunda categoría en Hollywood, reflejo puramente indie de ‘El Crepúsculo de los Dioses.’

En aquella época, Joe pudo haber tocado el cielo con las manos si hubiese funcionado la idea de Francis Ford Coppola de darle el papel de Michael Corleone en ‘El Padrino.’ Sin embargo, un comentario de Paul Morrisey acerca de que el actor era incapaz de aprenderse un guión, impidieron que entrase por la puerta grande en la historia del cine y pasase de ser uno de los nuestros a uno de los grandes. Quizás ese fue el motivo por el que Dallesandro, tras rodar las películas sobre Drácula y Frankenstein, decidió instalarse en Europa.

En el viejo continente trabajaría entre otros con Louis Malle o Serge Gainsbourg, en una de las películas clave del cine erótico ‘Te amo… pero yo no’ (Je t’aime moi non plus), en cuya banda sonora se incluyó la canción de mismo título interpretada por su bellísima coprotagonista, Jane Birkin, y el director. Uno de los temas musicales más sexualmente explícitos de la historia.

No obstante, la errática trayectoria de JoeBoy, tanto en su vida personal como artística, hizo que el actor combinase estas producciones con perfectamente olvidables producciones Z italianas, hasta su retorno definitivo a Estados Unidos, a mediados de los ochenta.

A su regreso, dos cosas volvieron a ponerlo en boca de muchos. Por un lado, un rumor pasó a ser noticia. Su presunta muerte a consecuencia de complicaciones derivadas del VIH tuvo eco incluso en revistas especializadas de cine, incluyendo la española Fotogramas. Un airado Dallesandro recordó que no sólo estaba vivo sino que no era en absoluto seropositivo. Por otro lado, Francis Ford Coppola contó con él, esta vez sin dudarlo, en un breve pero importantísimo papel, en el clásico ‘Cotton Club’, donde el actor prestó gestos a Charles Lucky Luciano.

Sin embargo, una vez más, malas decisiones o pésimos agentes, no permitieron que su trayectoria en Hollywood fuese mejor que su recorrido europeo. Salvo trabajos a las órdenes de directores como Blake Edwards en ‘Asesinato en Beverly Hills’, John Waters en ‘Cry Baby’ o Steven Soderbergh en ‘El halcón inglés’, su labor profesional pasó por ganarse la vida en series de televisión, películas de olvidable título o como chófer de limusinas en Beverly Hills cuando el trabajo antes las cámaras no se dió.

No obstante las historias de supervivientes están llenas de picos altos y bajos. El inspirador de ‘Walk on The Wild Side’ de Lou Reed, el paquete que protagonizó la cubierta del disco de los Rolling Stones ‘Sticky Fingers’, el modelo bajo los focos de Richard Avedon, o el protagonista otoñal de campañas de Calvin Klein, el homenajeado en el Festival de Cannes de 2002 y con el Premio Teddy del Festival de Cine de Berlín de este año, es hoy, en todo caso, un hombre feliz, y un referente imprescindible de la cultura pop, además de icono insustituible en el imaginario gay de las últimas cuatro décadas. Sus fans, son literalmente, legión.

A sus espléndidos 60 años, Joe Dallesandro vive hoy en Hollywood junto a su tercera esposa, la dulce Kim, junto a quien regenta un hotel, presume de haber pagado todas sus deudas, se sigue llamando actor y se define como ‘Un hombre enfocado, orgulloso padre de sus dos hijos y feliz abuelo.’

Mientras esperamos con ansiedad aplaudirle en Berlín, y sobre todo ver el documental ‘Little Joe’ que se estrenará durante su homenaje en el mismo festival, valga este post como humilde reconocimiento, y este clip para recreo de nuestros ojos, deleitándonos con el semental sereno que caminó sobre el lado salvaje de la pantalla.

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